كيف يمكن تسخين مسرح في فيينا 1808؟

كيف يمكن تسخين مسرح في فيينا 1808؟


We are searching data for your request:

Forums and discussions:
Manuals and reference books:
Data from registers:
Wait the end of the search in all databases.
Upon completion, a link will appear to access the found materials.

أقيم حفل بيتهوفن في 22 ديسمبر 1808 في مسرح شديد البرودة. كيف كان يمكن تسخينه في ذلك الوقت؟

التاريخ مبكر جدًا لأن تكون التدفئة المركزية شائعة. كان من الممكن استخدام برازيير أو رؤوس فضاء أخرى ، لكن التهوية ستكون مشكلة. هل أفتقد شيئًا واضحًا؟


يُقارن تقدير الملعب العادي لمقدار الحرارة التي يصدرها الشخص بمصباح متوهج 100 واط (في وقت ما 120 واط). ال مسرح أن دير فيينا تبلغ سعته 2000 في زمن بيتهوفن ، وهو ما كان أكثر من كافٍ لتدفئة مبنى في درجات حرارة قريبة من درجة التجمد فقط.

في الأصل ، كانت "أكثر اتساعًا من أي مكان في فيينا" ، بسعة 2000 تقريبًا بينما تتسع اليوم لـ 950.

حتى بسعة 3/4 فقط يتم توليد حرارة 1500 * 100W = 150kW. إذا كان المبنى معزولًا بشكل معقول ، فقد يكون المرء في فصل الشتاء العادي أكثر اهتمامًا بكيفية القيام بذلك بارد المبنى عندما تكون في أو بالقرب من السعة.

درجات الحرارة المعتادة لشهر كانون الأول (ديسمبر) في فيينا ليست باردة بشكل خاص ، مع أعلى مستوياتها اليومية المعتادة حوالي 3 درجات مئوية (38 فهرنهايت) وأدنى مستوياتها بين عشية وضحاها حوالي -1 درجة مئوية (30 فهرنهايت). ومع ذلك ، كان شتاء 1808/09 من أبرد شتاء مسجل في جميع أنحاء أوروبا. لا أجد سجلات خاصة بفيينا ، لكن:

في ستوكهولم [فقط] الشتاء 1788/89 و 1808/09 كان أكثر برودة [من شتاء 1941/42].


من تعليقي أدناه:

عادة ما تسبق الأحداث المسرحية 60 دقيقة أو أكثر من اللقاءات والترحيب مع دخول المستفيدين إلى المبنى. قد يستغرق الأمر 20 دقيقة أخرى بعد ذلك ليجلس الجميع. والملابس الرسمية الأوروبية التقليدية المقصود بالفعل لإبقاء الشخص دافئًا في درجات حرارة تتراوح بين 10-12 درجة مئوية ؛ ليس 20-22C الذي نفكر فيه عادة درجة حرارة الغرفة.

نلاحظ هنا ، من مؤتمر فيينا عام 1815 ، ملابس الرجال لاجتماع عمل. لاحظ السترات ذات الياقة العالية المتينة على كل من السترة والبلوزة لمنع تيارات الهواء. السبب الذي يجعل الرجال اليوم يشعرون بأنهم مضطرون إلى خلع سترتهم فور دخولهم إلى المبنى هو أن حديثنا درجة حرارة الغرفة أكثر دفئًا بحوالي 10 درجات مئوية من تلك التي تم تصميم الملابس من أجلها. وهذا هو السبب أيضًا في انخفاض الياقات وتصبح أكثر مرونة خلال القرن الماضي.

بالنسبة للنساء ، يبدو أن اللباس الرسمي كان دائمًا قليلاً ولاعة من الرجال. ومع ذلك كان التقليد أن تقويرة الفستان كانت مخصصة للرقص ، وكان لكل امرأة عصرية سرق ، ويفضل أن يكون فقمًا إذا كان في المتناول ، للحفاظ على كتفيها وخط العنق دافئًا:

أيضا ، السيدة ويلوت في سرق أبيض:

هنا، أزياء فترة بيدرمير الألمانية ، القرن التاسع عشر:


2000 عام من الحمامات العامة في فيينا

& quot الرومان القدامى. وهكذا تبدأ العديد من القصص ، وبعضها في الحمامات في فيينا أيضًا. منذ ما يقرب من 2000 عام ، كان الناس يجلسون لأول مرة في أحواض حجرية ساخنة بالقرب من مستوطنة سلتيك سابقة. يمكن إرجاع حمامات القرون الوسطى إلى القرن الثالث عشر. في فيينا ، بسبب الهندسة المعمارية الرائعة للحمامات ، غالبًا ما كانت الحمامات والثقافة مرتبطة ارتباطًا وثيقًا. هذا صحيح أيضًا إلى حد ما اليوم ، وهي حقيقة تميز فيينا عن بقية أوروبا. حيث دوى رش المياه والضحك المرح في الصيف ، أقيمت الحفلات الموسيقية والكرات في الشتاء. كما في Sophienbad السابق ، على سبيل المثال لا الحصر. في وقت من الأوقات ، تم تنظيم أكاديميات الهواء الطلق وأكاديميات "qubath & rdquo في الحمامات العامة خلال فصل الصيف. هنا يأتي أهل فيينا لتلميع معارفهم.


محتويات

الحياة المبكرة والوظيفة تحرير

وُلِد بالف في دبلن ، حيث ظهرت مواهبه الموسيقية في سن مبكرة. تلقى تعليمات من والده ، وهو أستاذ الرقص وعازف الكمان ، والملحن ويليام روك. [1] انتقلت عائلته إلى ويكسفورد عندما كان طفلاً. بين عامي 1814 و 1815 ، عزف بالف على الكمان لفصول الرقص لوالده ، وفي سن السابعة قام بتأليف بولكا.

في عام 1817 ، ظهر كعازف كمان في الأماكن العامة ، وفي هذا العام قام بتأليف أغنية ، أطلق عليها في البداية "يونغ فاني" وبعد ذلك ، عندما غنى في بول براي بقلم مدام فيستريس ، "خطأ العشاق". في عام 1823 ، عند وفاة والده ، انتقل بلفي المراهق إلى لندن وكان يعمل كعازف كمان في أوركسترا المسرح الملكي ، دروري لين. أصبح في النهاية قائد تلك الأوركسترا. [2] أثناء وجوده هناك ، درس الكمان مع تشارلز إدوارد هورن والتأليف مع تشارلز فريدريك هورن ، عازف الأرغن ، من عام 1824 ، في كنيسة سانت جورج ، وندسور.

بينما كان لا يزال يعزف على الكمان ، مارس Balfe مهنة كمغني أوبرا. ظهر لأول مرة دون جدوى في نورويتش في كارل ماريا فون ويبر دير Freischütz. في عام 1825 ، أخذه الكونت مازارا إلى روما للدراسات الصوتية والموسيقية وقدمه إلى لويجي تشيروبيني. تابع Balfe أيضًا التلحين: في إيطاليا ، كتب أول عمل درامي له ، باليه ، لا بيروز. أصبح أحد رعايا روسيني ، وفي نهاية عام 1827 ظهر في دور فيجارو حلاق إشبيلية في الأوبرا الإيطالية في باريس.

سرعان ما عاد Balfe إلى إيطاليا ، حيث أقام في السنوات الثماني التالية ، وغنى وألّف العديد من المسلسلات الأوبراية. التقى ماريا ماليبران أثناء الغناء في أوبرا باريس خلال هذه الفترة. في عام 1829 في بولونيا ، قام بالفي بتأليف أول أنشودة لأغنية السوبرانو جوليا غريسي ، التي كان عمرها حينها 18 عامًا. لقد أديتها مع التينور فرانشيسكو بيدراتزي بنجاح كبير. أنتج Balfe أول أوبرا كاملة له ، أنا منافس ديه stessi، في باليرمو في موسم الكرنفال 1829-1830.

في لوغانو ، سويسرا ، [3] حوالي عام 1831 تزوج من لينا روزر (1806-1888) ، المغنية المجرية المولد لأبوين نمساويين الذين التقى بهم في بيرغامو. [4] كان للزوجين ولدان وبنتان. مات ابنهما الأصغر إدوارد في طفولته. توفي ابنهما الأكبر مايكل ويليام جونيور عام 1915. وكانت ابنتهما لويزا (1832-1869) وفيكتوار. كتب Balfe أوبرا أخرى Un avvertimento ai gelosi في بافيا و إنريكو كوارتو في ميلانو ، حيث كان مخطوبة للغناء في روسيني أوتيلو مع ماليبران في لا سكالا عام 1834. محاولة غير شعبية "لتحسين" أوبرا جياكومو مييربير ، Il crociato في Egitto، بموسيقى محرفة من تلقاء نفسه ، أجبر Balfe على إلقاء خطوبته في مسرح La Fenice في البندقية.

تأليف النجاح تحرير

عاد Balfe إلى لندن مع زوجته وابنته الصغيرة في مايو 1835. وكان نجاحه الأولي بعد بضعة أشهر ، مع العرض الأول لفيلم حصار روشيل في 29 أكتوبر 1835 في دروري لين. بتشجيع من نجاحه ، أنتج خادمة أرتوا في عام 1836 والذي تلاه عدد أكبر من المسلسلات باللغة الإنجليزية.

في يوليو 1838 ، ألف بلف أوبرا جديدة ، فالستاف، لدار الأوبرا الإيطالية ، بناءً على زوجات وندسور مرحات، مع ليبريتو إيطالي بواسطة S. Manfredo Maggione. قام الإنتاج ببطولة أصدقائه لويجي لابلاش (باس) في دور البطولة ، جوليا غريسي (سوبرانو) ، جيوفاني باتيستا روبيني (تينور) ، وأنطونيو تامبوريني (باريتون). نفس المطربين الأربعة عرضوا لأول مرة أغنية بيليني ، أنا بيوريتاني في دار الأوبرا الإيطالية في باريس عام 1835. [4]

في عام 1841 ، أسس Balfe الأوبرا الوطنية في مسرح ليسيوم ، لكن المشروع كان فاشلاً. في نفس العام ، عرض أوبراه لأول مرة ، Keolanthe. ثم انتقل إلى باريس لتقديم العروض لو بويت دور (1843) في أوائل عام 1843 ، تليها أوبرا على أساس لي كواتر فلس أيمون (1844) لأوبرا كوميك (تحظى أيضًا بشعبية في البلدان الناطقة بالألمانية لسنوات عديدة مثل يموت فيير Haimonskinder) و L'étoile de Seville (1845) للأوبرا. كتب نصوصهم يوجين سكرايب وآخرون. [5] في هذه الأثناء ، في عام 1843 ، عاد بلف إلى لندن حيث أنتج أكثر أعماله نجاحًا ، الفتاة البوهيمية، في ٢٧ نوفمبر ١٨٤٣ في المسرح الملكي ، دروري لين. استمرت القطعة لأكثر من 100 ليلة ، وسرعان ما عُرضت الأعمال في نيويورك ودبلن وفيلادلفيا وفيينا (بالألمانية) وسيدني وفي جميع أنحاء أوروبا وأماكن أخرى. في عام 1854 ، تم استدعاء تعديل إيطالي لا زينجارا تم تركيبه في Trieste بنجاح كبير ، كما تم أداؤه دوليًا باللغتين الإيطالية والألمانية. في عام 1862 ، صدر إصدار فرنسي من أربعة أعمال بعنوان لا بوهيمي تم إنتاجه في فرنسا وحقق نجاحًا مرة أخرى. [4]

تحرير السنوات اللاحقة

من 1846 إلى 1852 ، تم تعيين Balfe مديرًا موسيقيًا وقائدًا رئيسيًا للأوبرا الإيطالية في مسرح Her Majesty's ، [6] مع Max Maretzek كمساعد له. [7] هناك أنتج لأول مرة العديد من أوبرات فيردي لجماهير لندن. أجرى لجيني ليند في أوبراها الأولى وفي مناسبات عديدة بعد ذلك. [4]

في عام 1851 ، استعدادًا للمعرض الدولي الكبير في لندن ، قام Balfe بتأليف نشيد مبتكر ، Inno Delle Nazioni، تغنى بها تسع مطربات ، كل واحدة تمثل دولة. واصل Balfe تأليف أوبرا جديدة باللغة الإنجليزية ، بما في ذلك صانع الدروع في نانت (1863) ، وكتب مئات الأغاني ، مثل "عندما القلوب الأخرى" ، "حلمت أني سكنت في قاعات الرخام" (من الفتاة البوهيمية) ، "تعال إلى الحديقة ، مود" ، "كيلارني" و "إكسلسيور" (إعداد قصيدة لونجفيلو). [8] أوبراه الأخيرة ، التي أوشكت على الانتهاء عند وفاته ، كانت فارس النمر وحقق نجاحًا كبيرًا في اللغة الإيطالية مثل ايل تاليسمانو. [4] [9]

تقاعد Balfe في عام 1864 إلى هيرتفوردشاير ، حيث استأجر عقارًا ريفيًا. توفي في منزله في Rowney Abbey ، وير ، هيرتفوردشاير ، في عام 1870 ، عن عمر يناهز 62 عامًا ، ودُفن في مقبرة Kensal Green Cemetery في لندن ، بجانب زميله الملحن الأيرلندي William Vincent Wallace ، الذي توفي قبل خمس سنوات. في عام 1882 ، تم الكشف عن صورة ميدالية له في وستمنستر أبي. تم الكشف عن لوحة مجلس مقاطعة لندن في عام 1912 لإحياء ذكرى Balfe في 12 شارع سيمور ، مارليبون. [10]

إجمالاً ، ألف بلف ما لا يقل عن 29 أوبرا. [11] كما كتب العديد من الكانتات (بما في ذلك مازيبا في عام 1862) وسمفونية (1829). قطعة Balfe الوحيدة واسعة النطاق التي لا تزال تؤدى الفتاة البوهيمية. [ بحاجة لمصدر ]


8. السمفونية رقم 2

السيمفونية رقم 2 لها أربع حركات ، وقد كُتبت بين عامي 1801 و 1802. السيمفونية في التأليف الرئيسي رقم 36 وهي إهداء لكارل الويس ، الأمير ليتشنوفسكي. تم تأليف هذه السيمفونية في الوقت الذي أصبح فيه صمم بيتهوفن واضحًا ، وكان قد بدأ يدرك أنه قد لا يتم علاجه. كان بيتهوفن يقيم في هايليغنشتات في عام 1802. وعُزفت السيمفونية لأول مرة في 5 أبريل 1803 في مسرح آن دير فيينا في فيينا. يمكن أن يستغرق أداء السيمفونية من 33 إلى 36 دقيقة.


الأسبوع في المسرح: The Night of the Iguana Vienna 1934-Munich 1938 سبع طرق لقتل كايلي جينر

يستطيع ويليامز أن يجعل المسرح يهتز لأعصاب شخصية واحدة. ويمكنه أن ينقلب مع عدد كبير من الحمائم. ما لا يقدمه عادة هو الهدوء. لكن ليلة الإغوانا هي لعبة مغلقة بشكل خاص - الصورة المركزية هي وحش مقيد - وإنتاج جيمس ماكدونالد أصبح هادئًا في الغالب.

كلايف أوين ، الذي عاد إلى West End بعد 18 عامًا ، يلعب دور القس المنفصل ، الذي تخصص في النوم مع الفتيات الصغيرات ثم ضربهن ، على ما يبدو الآن على الرف ، في فندق على حافة منحدر: معضلة المسرحية هي "كيف نعيش بعد اليأس ولا نزال نعيش". يعاني أوين من جميع أعراض القلق: ساقان ترتعشان في حالة استرخاء ، نوبات شديدة ، تعرق يتجاوز الاستجابة للحرارة. ومع ذلك ، على الرغم من أنه مقلق ، إلا أنه لا يبدو أبدًا حزينًا بشكل خطير. إنه أقل من المخلوق البدائي للعنوان ، أكثر من كلب جلد.

يحتوي تصميم Rae Smith أيضًا على جميع المكونات الصحيحة ولكنه ضيق جدًا بحيث لا يشير إلى إمكانية السقوط الحر. هذا الفندق يبدو متهالكًا أكثر من كونه محفوفًا بالمخاطر حقًا. تحت إضاءة نيل أوستن ، تتوهج خلفية من الصخور مثل نار الفحم المزيفة. تنزل الشخصيات إلى الشاطئ كما لو كانوا يتناولون العشاء في مطبخ الطابق السفلي. صحيح أن هناك عاصفة هائجة ، لكن لا أحد يريد أن يغادر الجمهور المسرح متأثرًا بالأمطار الغزيرة.

يصبح الغموض في ويليامز شبه محاكاة ساخرة. مجموعة من السائحين الألمان يرتدون ثياب الاستحمام والحلقات المطاطية ، وينثنون ويحدثون ضوضاء. كونها عانس ، تضرب فينتي ويليامز حقيبة يدها.

عرضان يأخذان المساء إلى مستوى آخر. في جزء من المضيفة الساخنة ، الذي لم يتم لعبه كثيرًا كما تم سرقته من قبل بيت ديفيس في إنتاج برودواي عام 1961 ، آنا جان - من سيئة للغاية - طبيعي بشكل جميل ، مشبع في المودة والشخص كما حدد ويليامز. باعتبارها لغز المسرحية - الناجي المقدس مع تلميح من المحتال - ليا (لا علاقة لها) وليامز رائعة. قارنها مبتكرها بصورة قديس في كاتدرائية قوطية. إنها تبدو منحوتة بالفعل ، كما لو أنها انزلقت من قبر ، رغم أنها ليست مجرد مارموريال. لديها قيادة هادئة ، مع تلميح من الحسابات - وصدى صوتي للممثلة التي من المقرر أن تلعب الدور ، كاثرين هيبورن.

فانيسا ريدغريف برشام في فيينا 1934-ميونخ 1938. الصورة: نوبي كلارك

اعتقدت تينيسي ويليامز أن فانيسا ريدغريف "أعظم ممثلة في المسرح الناطق باللغة الإنجليزية". إنها بلا شك واحدة من أكثر الأشياء التي تم القبض عليها. عندما صعدت إلى خشبة المسرح في باث ، تحيي الجمهور كما لو كنا جالسين على مرفقها. بعد الفاصل ، قالت إنها سعيدة بعودتنا. وبينهما تشارك ألبوم صور مع أشخاص في الصف الأمامي. المسرح هو غرفة جلوسها.

كيف يمكن لشخص في مثل هذه القيادة في مرحلة أن يتأقلم مع الشكل المتداعي للمادة التي تقدمها كسرد مسرحي جزئيًا؟ حقيقي، فيينا 1934 - ميونيخ 1938 هو سجل قصاصات من الأفكار والحكاية. مع تعرق أصداء صعود اليمين المتطرف اليوم ، بالاعتماد على كتابات العائلة والأصدقاء ، فإنه يضفر الشخصي مع السياسي - وهذا أمر جيد. يظهر والدها ، مايكل ، ليس فقط باعتباره اشتراكيًا قويًا ، ولكن كمحب لشاب ، هو توني هيندمان ، الذي كان أيضًا محبًا للشاعر ستيفن سبندر ، الذي أشاد بـ "شفتيه الشبيهة بالشفاه عند الغسق".

أول عشيقة لسبندر ، الناشطة المناهضة للفاشية موريل غاردينر تم إحياؤها - تهريب جوازات السفر وغناء أغنية ألاباما - من قبل لوسي دويل في بداية احترافية رائعة لصراحتها الدقيقة. تتذكر فانيسا ريدغريف نويل كوارد ، أحد محبي والدها المقربين من والدتها ، بأنه "ركبتي النحل".

يوجد كنز هنا لكنه غير معروف. إن إدانة توماس مان لبريطانيا واسترضاءه لها صدى وصدى ، لكنها وصلت إلى حد كبير للغاية. إن Spender أقل روعة كشاعر منه كشخص يقوم بدوريات محببة في نواقصه. و Redgrave ممثل برشام ، ومدافع جريء - ومؤلف بحاجة إلى محرر.

"عاصفة ثلجية من مسرحية": تيا بانون ، على اليسار ، ودانييل فيتاليس بسبع طرق لقتل كايلي جينر. تصوير: هيلين موراي

سبع طرق لقتل كايلي جينر هي عاصفة ثلجية من مسرحية كتبها جاسمين لي جونز ، البالغة من العمر 20 عامًا. تندفع بسرعة عالية وتهاجم في قطع صغيرة. الإنتاج الضخم لميلي باتيا مذهل ومحير ومثير للإعجاب. تتدلى المصممة راجحة شاكري شبكة بيضاء متلألئة فوق جزء من المسرح: مثل نسيج عنكبوت عملاق ، إنه شيء من الماضي ، ولكن من خيوطه أثر. بجانب هذا ، كليو (دانييل فيتاليس) وكارا (تيا بانون) ، كلاهما رائع ، يتقابلان مع بعضهما البعض ، يقفزان ويصرخان في رقصة تانغو حية من الغضب والحميمية ، النوع الذي تمارسه الفتيات اللواتي يتذكرن بعضهن البعض من الملعب. يا إلهي ، بعض المشاهد عبارة عن تويتر ، يتم تقليدها وتحدثها بتشويه إلكتروني: بعض المقاطع غير قابلة للاختراق - على الأقل بالنسبة لي - ولكنها كلها مثيرة للاهتمام. توضح المشاهد بين المرأتين ما يجري ببلاغة وبلا هوادة.

أطلقت Cleo ، المعروفة أيضًا باسمincognegro ، سلسلة من التغريدات الغاضبة والبارعة ردًا على إعلان أن كايلي جينر أصبحت "أصغر ملياردير عصامي": عصامي "كسريري" لماذا يتم الإشادة بها لصنعها الشفاه التي سخر منها على امرأة سوداء؟ إنها تريد أن يحترق جينر إلى هش ونتيجة لذلك يتعرض للتهديد. تعتقد كارا أنها يجب أن تبرد الأمر. الأمر الذي دفع كليو إلى اتهام كارا بأنها سهلة لأنها ذات بشرة فاتحة واتهام كارا ، التي تفضل الفتيات على الأولاد ، باتهام كليو بأنها معادية للمثليين.

بالعودة إلى الطفولة ، وفي التاريخ الأسود ، يجادلون بإحكام وبعاطفة غنية. هم أصوات من مسرح جديد.

التقييمات بالنجوم (من خمسة):
ليلة الإغوانا ★★★
فيينا 1934-ميونخ 1938 ★★★
سبع طرق لقتل كايلي جينر ★★★★

تُقام ليلة الإغوانا في مسرح Noël Coward بلندن حتى 28 سبتمبر
فيينا 1934 - ميونيخ 1938 موجودة في استوديو Ustinov ، باث ، حتى 3 أغسطس
سبع طرق لقتل كايلي جينر موجودة في مسرح رويال كورت بلندن حتى 27 يوليو


موقع التواصل الاجتماعي الفيسبوك

تعال وتغلب على الحرارة مع مصاصات Fryos Gourmet Popsicles! هذه هي أحدث نكهاتنا ، الكوكيز والكريم الكلاسيكي. ليس عليك إجراء حجز لشراء مثلجات. ما عليك سوى الدخول إلى متجر المتحف في أي وقت خلال ساعات عملنا. # historycenter # visitlagrange # fryos # الصيف

مركز تاريخ الكتاب المقدس

نود أن نقدم شكر خاص لكل من أرسل إلينا مجهولاً أجهزة الاستقبال وأجهزة الإرسال Retekess هذه عبر أمازون! سيساعدنا ذلك كثيرًا من خلال السماح للمجموعات التي لا تتحدث الإنجليزية بإحضار مترجم وتلقي الترجمات في الوقت الفعلي عبر سماعة أذن. هذه نعمة لنا ونحن ممتنون للغاية!

مركز تاريخ الكتاب المقدس

هنا علامة أخرى من علامات نفق الوقت الجديدة! يقع هذا بجوار المدخل الأمامي للكنيسة البيزنطية ، لذا لا يمكنك أن تفوتك عندما تأتي لزيارتنا. تأكد عند زيارتك ، أن تقوم بتضمين علامات نفق الوقت الجديدة الخاصة بنا!

مركز تاريخ الكتاب المقدس

في العالم التوراتي القديم كانت الآبار ذات أهمية قصوى. كانت المياه العذبة ، وبالتالي الآبار ، ضرورية للبقاء على قيد الحياة. كانوا يتجمعون أيضًا في أماكن يمكن للناس فيها التحدث عن حياتهم والأخبار ذات الأهمية للمنطقة المحيطة. في العهد القديم ، كان خادم إبراهيم & # 039 s في مهمة للعثور على زوجة مناسبة لإسحاق ، ووجد ريبيكا في قريتهم وبئر # 039. في العهد الجديد ، التقى يسوع بالمرأة السامرية عند البئر وقدم لها الماء الحي حتى لا تعطش مرة أخرى.

تعال لتفقد بئرتنا ، المصورة هنا ، في مركز تاريخ الكتاب المقدس في لاغرانج ، جورجيا!


رحلات بقيادة الخبراء إلى العواصم الموسيقية في أوروبا

عندما تُعتبر قطعة موسيقية تحفة فنية ، فإنها كثيرًا ما تتلقى العديد من العروض من قبل فرق الأوركسترا التي تم تدريبها جيدًا في أرقى قاعات الحفلات الموسيقية في العالم. لكن ما هو صحيح في كثير من الأحيان هو أن هذه الأعمال العظيمة بدأت حياتها الموسيقية في ظروف أقل من مثالية. السيمفونية الخامسة المعجزة لبيتهوفن هي مثال على ذلك. إليكم قصة العرض الأول المليء بالمشاكل.

صورة جوزيف ويليبرود ماهلر & # 39 لبيتهوفن من 1804 أو 1805 ، قبل بضع سنوات من السيمفونية الخامسة.

في فيينا في نهاية القرن الثامن عشر والسنوات الأولى من القرن التاسع عشر ، كانت معظم الحفلات الموسيقية الأوركسترالية إما عروض صيفية خفيفة أو حفلات شتوية مصممة لجمع الأموال لجمعية خيرية أو لصالح ملحن معين. يشتهر موتسارت بتقديم هذه الحفلات التي أطلق عليها اسم "الأكاديميات".

في عام 1807 ، بدأت سلسلة من الحفلات الموسيقية التي كانت مخصصة فقط للتمتع الموسيقي للفنانين والمستمعين. كان أعضاء الأوركسترا يميلون إلى أن يكونوا متسوقين وكان الجمهور في المقام الأول أعضاء من العائلات النبيلة. تم استدعاء العروض ليبهبر كونزرت، أو حفلات لعشاق الموسيقى. أقيمت عشرون حفلة موسيقية كهذه في عام 1807 - 2008 ، وكان بيتهوفن أحد الملحنين المميزين.

في معظم هذه الحفلات ، جنى الملحنون مبالغ متواضعة من عروض موسيقاهم. لكن هذه السلسلة تضمنت ثلاث حفلات موسيقية تم تسليم إيصالات شباك التذاكر للجمعيات الخيرية العامة ، وساهم بيتهوفن بموسيقاه أو عزف بيانو موهوب في هذه الأحداث. من غير المؤكد ما إذا كان الملحن الضخم كان كرمًا أو كان يحاول الحصول على النعم الجيدة لبعض المروجين المهمين في فيينا ، لكننا نعلم أن مساهمات بيتهوفن في هذه الحفلات الثلاث أعطته ما يريد: حفل موسيقي كامل لمصلحته الخاصة في مسرح أن دير فيينا. تم تعيينه في 22 ديسمبر 1808 ، وكانت السيمفونية الخامسة في البرنامج.

في عالم مثالي ، كان الحفل الموسيقي الذي أقيمت فيه مثل هذه السيمفونية الكبرى لأول مرة حدثًا مذهلاً. لم يكن هذا هو الحال.

التسجيل المفضل لديفيد نيلسون للسمفونية ، أداء كارلوس كليبر مع أوركسترا فيينا الفيلهارمونية تم تسجيله عام 1975.

كانت إحدى المشكلات طول الحفلة الموسيقية غير المسبوقة. يبدو أن بيتهوفن كان يعتقد أنه إذا كان هناك شيء جيد ، فإن المزيد من الشيء الجيد هو الأفضل. لذلك تضمن البرنامج الأولي السيمفونيات الخامسة والسادسة ، وحركتين من القداس في C ، ونغم صوتي ، وكونشيرتو البيانو الرابع (مع بيتهوفن كعازف منفرد). كانت السيمفونية الخامسة ستغلق البرنامج في الأصل ، لكن الملحن لم يعتقد أن نهايته ستكون قوية بما يكفي لجذب انتباه الجمهور بعد حفلة موسيقية طويلة. لذالك ماذا فعل؟ كتب بيتهوفن عملاً آخر ليختتم الحفل بنهاية أكثر إثارة للإعجاب: فانتازيا للبيانو والأوركسترا والكورس.

استمر حفل الماراثون من 6:30 إلى 10:30 ، لمدة أربع ساعات كاملة. وإذا لم يكن الجلوس وسط هذا الكم من الموسيقى صعبًا بما فيه الكفاية بالفعل ، فإن المسرح لم يكن لديه حرارة كافية للتعامل مع شتاء فيينا البارد. وصف أحد الحاضرين الجلوس في المسرح "في أشد درجات البرودة" لكنه لم يستطع المغادرة لأن "بيتهوفن كان في منتصف القيادة وكان قريبًا منه".

اتضح أن الكثير من الموسيقى الجديدة والصعبة تمثل مشكلة أكبر ، وقد تفاقم ذلك بسبب عدم وجود البروفات الكافية. علق أحد الكتاب قائلاً "بيتهوفن ... وجد في البروفات والأداء الكثير من المعارضة وعدم وجود دعم تقريبًا" وأنه "تبين أنه من المستحيل الحصول على بروفة كاملة واحدة لجميع القطع التي سيتم تأديتها ، كل [تم] شغلها. بأعظم الصعوبات ".

كان بيتهوفن أيضًا ثابتًا خلال الحفلة الموسيقية من خلال المطالبة بالكمال من قبل الموسيقيين. كتب لاحقًا ، "كان الموسيقيون غاضبين بشكل خاص لأنه عندما تم ارتكاب خطأ فادح من خلال الإهمال في أبسط وأبسط مكان في العالم ، أوقفتهم فجأة ، وصرخت بصوت عالٍ" مرة أخرى "... أظهر الجمهور استمتاعه بهذا" .

وأخيرًا ، إذا لم تكن هناك مشاكل كافية بالفعل في هذا المساء ، فقد عكس البرنامج المطبوع أرقام السمفونيات. ما نعرفه اليوم في الخامسة تم إدراجه على أنه السيمفونية رقم 6 ، ما نعرفه اليوم من السادسة تم إدراجه على أنه الخامس. يبدو أن لا أحد يعرف سبب حدوث ذلك.

بعد هذه البداية المشؤومة ، قد نتساءل كيف سمع "الخامس" - بالإضافة إلى الأجزاء الأخرى في البرنامج - مرة أخرى. الاجابة على هذا بسيطة. يمكن للقطع الرائعة أن تتخطى الأداء السيء وأن تصمد أمامها وتستمر. يمكننا فقط أن نأمل ألا يحتاج جمهور اليوم إلى إحضار معاطفهم الشتوية إلى القاعة.

قبر بيتهوفن في مقبرة فيينا المركزية.

انقر هنا لمعرفة المزيد عن مقابر الموسيقيين العظماء الذين يمكنك رؤيتهم في جولاتهم في خطى موزارت & # 8217s.

ظهرت مذكرة البرنامج هذه لأول مرة في Greensboro ، North Carolina & # 8217s News and Record في 19 سبتمبر 2010.


نمط الفن الرومانسي (1770-1920)


سيدة شالوت (1888)
مجموعة تيت ، لندن.
بقلم جون ويليام ووترهاوس.

ما هي الرومانسية؟ - مميزات

على الرغم من الجهود المبكرة التي بذلها رواد مثل El Greco (Domenikos Theotocopoulos) (1541-1614) وآدم Elsheimer (1578-1610) وكلود لورين (1604-82) ، فإن الأسلوب الذي نعرفه بالرومانسية لم يكتسب زخمًا حتى نهاية القرن الثامن عشر عندما تم إعطاء العنصر البطولي في الكلاسيكية الجديدة دورًا مركزيًا في الرسم. تم دمج هذا العنصر البطولي مع المثالية الثورية لإنتاج أسلوب رومانسي عاطفي ، ظهر في أعقاب الثورة الفرنسية باعتباره تفاعل ضد الفن الأكاديمي المقيد لمؤسسة الفنون. تضمنت مبادئ الرومانسية: العودة إلى الطبيعة - المتمثلة في التركيز على الرسم العفوي في الهواء - الإيمان بخير الإنسانية ، وتعزيز العدالة للجميع ، والإيمان القوي بالحواس والعواطف ، بدلاً من العقل. والفكر. كان الرسامون والنحاتون الرومانسيون يميلون إلى التعبير عن استجابة شخصية عاطفية للحياة ، على النقيض من ضبط النفس والقيم العالمية التي ينادي بها الفن الكلاسيكي الجديد. سعى مهندسو القرن التاسع عشر أيضًا إلى التعبير عن الشعور بالرومانسية في تصميمات المباني الخاصة بهم: انظر ، على سبيل المثال ، العمارة الفيكتورية (1840-1900).


الكابوس (1781)
هنري فوسيلي.
معهد ديترويت للفنون.
تحفة سريالية
الرومانسية.

أعظم الأعمال الفنية في العالم
للحصول على قائمة أفضل 10 رسامين /
النحاتون: أفضل الفنانين في كل العصور.
لأفضل 300 زيت ، ألوان مائية
انظر: أعظم اللوحات على الإطلاق.

تطور الفن المرئي
للتسلسل الزمني والتواريخ
انظر: تاريخ الخط الزمني للفن.

من بين أعظم الرسامين الرومانسيين هنري فوسيلي (1741-1825) ، فرانسيسكو غويا (1746-1828) ، كاسبار ديفيد فريدريش (1774-1840) ، جي إم دبليو تورنر (1775-1851) ، جون كونستابل (1776-1837) ، ثيودور جيريكولت ( 1791-1824) ويوجين ديلاكروا (1798-1763). لم يحل الفن الرومانسي محل النمط الكلاسيكي الجديد ، بل كان يعمل كقوة موازنة لشدة الأخير وصلابته. على الرغم من تراجع الرومانسية حوالي عام 1830 ، إلا أن تأثيرها استمر لفترة طويلة بعد ذلك. ملاحظة: لمعرفة الدور الذي لعبته اللوحة الرومانسية في تطور فن القرن التاسع عشر ، انظر: الواقعية إلى الانطباعية (1830-1900).

بعد الثورة الفرنسية عام 1789 ، حدث تغيير اجتماعي كبير خلال جيل واحد. اهتزت أوروبا بسبب الأزمات السياسية والثورات والحروب. عندما اجتمع القادة في مؤتمر فيينا (1815) لإعادة تنظيم الشؤون الأوروبية بعد الحروب النابليونية ، أصبح من الواضح أن آمال الشعوب في "الحرية والمساواة والأخوة" لم تتحقق. ومع ذلك ، خلال السنوات الخمس والعشرين المضطربة ، ترسخت الأفكار والمواقف الجديدة في أذهان الرجال.

إن احترام الفرد ، الإنسان المسؤول ، الذي كان بالفعل عنصرًا أساسيًا في الرسم الكلاسيكي الجديد ، قد أدى إلى ظهور ظاهرة جديدة ولكنها ذات صلة - الحدس العاطفي. وهكذا ، أصبحت الكلاسيكية الجديدة الرائعة والعقلانية تواجه الآن العاطفة والخيال الفردي الذي انبثق عنها. بدلاً من الإشادة بالرواقية والانضباط الفكري للفرد (الكلاسيكية الجديدة) ، بدأ الفنانون الآن أيضًا في الاحتفال بالحدس العاطفي وإدراك الفرد (الرومانسية). وهكذا في بداية القرن التاسع عشر ، بدأت مجموعة متنوعة من الأساليب في الظهور - كل منها شكلته الخصائص الوطنية - وكلها تندرج تحت عنوان "الرومانسية".

بدأت الحركة في ألمانيا حيث كان دافعها إلى حد كبير إحساس بالضجر العالمي (& quotويلتشميرز& quot؛ الشعور بالعزلة والتوق إلى الطبيعة. في وقت لاحق ، ظهرت الميول الرومانسية أيضًا في الرسم الإنجليزي والفرنسي.

ملاحظة: بالنسبة للاتجاهات الأسلوبية التاريخية المهمة الأخرى مثل الرومانسية ، راجع حركات الفن والمدارس (من حوالي 100 قبل الميلاد).

الرومانسية الألمانية (1800-1850)

في ألمانيا ، كان رد فعل جيل الشباب من الفنانين على الأوقات المتغيرة من خلال عملية استبطان: فقد تراجعوا إلى عالم المشاعر - مستوحى من شوق عاطفي لأوقات ماضية ، مثل عصر العصور الوسطى ، الذي كان يُنظر إليه الآن على أنه وقت الذي عاش فيه الرجال في وئام مع أنفسهم ومع العالم. في هذا السياق ، اللوحة الكاتدرائية القوطية بالمياه بقلم كارل فريدريش شينكل ، كان لا يقل أهمية عن أعمال "الناصريين" - فريدريك أوفربيك ، جوليوس شنور فون كارولسفيلد وفرانز بفور - الذين أخذوا زمام المبادرة من التقاليد التصويرية لعصر النهضة الإيطالي المبكر والفن الألماني في عصر ألبريشت دورر. في تذكرهم للماضي ، كان الفنانون الرومانسيون قريبين جدًا من الكلاسيكية الجديدة ، باستثناء أن تاريخهم كان ينتقد الموقف العقلاني للكلاسيكية الجديدة. لتوضيح الأمر ببساطة ، نظر الفنانون النيوكلاسيكيون إلى الماضي لدعم تفضيلهم للأفراد المسؤولين وذوي العقلية العقلانية ، بينما نظر الرومانسيون إلى الماضي لتبرير حدسهم العاطفي غير العقلاني.

عززت الحركة الرومانسية "الحدس الإبداعي والخيال" كأساس لكل الفنون. وهكذا أصبح العمل الفني تعبيراً عن "صوت من الداخل" ، كما قال الرسام الرومانسي الرائد كاسبار ديفيد فريدريش (1774-1840). لكن هذه الذاتية الجديدة (على عكس تلك الموجودة في العصر المعاصر) لم تستلزم إهمال دراسة الطبيعة ، أو حرفة الرسم. على العكس من ذلك: احتفظ الفنانون الرومانسيون بالتقاليد الأكاديمية لفنونهم ، وبالفعل ما زالت صفاتهم الفنية تمثل ذروة الفن الغربي.

كان النوع المفضل لدى الرومانسيين هو رسم المناظر الطبيعية. كان يُنظر إلى الطبيعة على أنها مرآة الروح ، بينما في ألمانيا المقيدة سياسيًا كانت تُعتبر أيضًا رمزًا للحرية واللامحدود. وهكذا فإن أيقونية الفن الرومانسي تتضمن شخصيات منعزلة في الريف ، تحدق بشوق في المسافة ، وكذلك فانيتاس زخارف مثل الأشجار الميتة والآثار المتضخمة ، ترمز إلى الزوال وطبيعة الحياة المحدودة. ظهرت زخارف فانيتاس مماثلة سابقًا في الفن الباروكي: في الواقع ، استعار الرسامون الرومانسيون العلاج الرسومي للضوء ، بتأثيراته العريضة للضوء والظل ، مباشرة من أساتذة الباروك. في الرومانسية ، يلقي الرسام عينه الذاتية على العالم الموضوعي ، ويظهر لنا صورة تمت تصفيتها من خلال حساسيته.

بحلول الوقت الذي بدأ فيه الإصلاح الأوروبي من خلال قرارات كارلسباد (1819) ، وبدأ اضطهاد الديماغوجيين ، تلاشت بالفعل الشهية للرومانسية الألمانية ، وتم استبدال التمرد بالاستقالة وخيبة الأمل. تم وضع التطلعات التحررية للرومانسية الألمانية جانبًا لصالح تلك الخاصة بالاستعادة. في مواجهة مثل هذه النزعة المحافظة السياسية ، انسحب الفنان - المواطن إلى عالمه الشاعري الخاص ، مبشرًا في بيدرمير الفترة (1815-1848) من الرومانسية المتأخرة ، والتي تجسدت في أعمال موريتز فون شويند (1804-1871) ، وأدريان لودفيج ريختر (1803-1884) ، وكارل سبيتزويج (1805-1885). ربما كان سبيتزويغ الممثل البارز لأسلوب بيدرمير: كانت المشاهد العائلية القصصية والسردية من بين موضوعاته التصويرية المفضلة ، على الرغم من أن لوحاته المبهجة والهادئة لها معنى أعمق. وراء جماله البريء ، يسخر من مادية البرجوازية الألمانية. أنظر أيضا: الفن الألماني ، القرن التاسع عشر.

الرومانسية الإسبانية (1810-30)

كان فرانسيسكو دي جويا (1746-1828) القائد بلا منازع للحركة الفنية الرومانسية في إسبانيا ، حيث أظهر ميلًا طبيعيًا للأعمال اللاعقلانية والخيال والخيال والرعب. بحلول عام 1789 ، تم ترسيخه كرسام رسمي للمحكمة الملكية الإسبانية. لسوء الحظ ، حوالي عام 1793 ، أصيب بنوع من المرض الخطير ، مما جعله أصم وأدى إلى انسحابه. خلال فترة النقاهة (1793 & # 1501794) ، قام بتنفيذ مجموعة من 14 لوحة صغيرة على القصدير ، والمعروفة باسم الخيال والاختراع، التي تمثل تغييرًا كاملاً في الأسلوب ، وتصور عالمًا دراميًا من الخيال والكابوس. في عام 1799 ، نشر مجموعة من 80 نقشًا بعنوان لوس كابريتشوس التعليق على مجموعة من السلوكيات البشرية على طريقة ويليام هوغارث. في 1812-15 ، في أعقاب الحرب النابليونية ، أكمل مجموعة من الطبعات المائية تسمى كوارث الحرب تصور مشاهد من ساحة المعركة بطريقة مقلقة ومروعة. The prints remained unpublished until 1863. In 1814, in commemoration of the Spanish insurrection against French troops at the Puerta del Sol, Madrid, and the shooting of unarmed Spaniards suspected of complicity, Goya produced one of his greatest masterpieces - The Third of May, 1808 (1814, Prado, Madrid). Another masterpiece is العملاق (1808-12, Prado, Madrid). After 1815 Goya became increasingly withdrawn. His series of 14 pictures known as the لوحات سوداء (1820-23), including Saturn Devouring His Son (1821, Prado, Madrid), offer an extraordinary insight into his world of personal fantasy and imagination.

French Romanticism (1815-50)

In France, as in much of Europe, the Napoleonic Wars ended in exile for Napoleon and a reactionary wave of Restoration policies. The French republic once again became a monarchy. In fine art terms, all this led to a huge boost for Romanticism, hitherto restrained by the domination of Neoclassicists such as the political painter Jacques Louis David (1748-1825) and other ruling members of the French Academy who had reigned unchallenged. Broader in outlook than their German counterparts, French Romantic artists did not restrict themselves to landscape and the occasional genre painting, but also explored portrait art and history painting.

Another strand of 19th-century Romanticism explored by French artists was Orientalist painting, typically of genre scenes in North Africa. Among the finest exponents were the academician Jean-Leon Gerome (1824-1904) as well as the more maverick Eugene Delacroix.

The first major Romantic painter in France was Jaques-Louis David's top pupil - Antoine-Jean Gros (1771-1835). The chronicler of Napoleon's campaigns and an accomplished portraitist, Gros was associated with the academic style of painting, although he also had a significant influence on both Gericault and Delacroix.

Theodore Gericault (1791-1824) was an important pioneer of the Romantic art movement in France. His masterpiece Raft of the Medusa (1819, Louvre) was the scandal of the 1820 Paris Salon. No painter until then had depicted horror so graphically. The impact of the painting was all the more effective for being based on a true-life disaster. Gericault's powerfully arranged composition forcefully undermined the calculated, intellectual painting of academic Neoclassicism. The three-dimensionality of the figures, allied to the meticulous arrangement of the raft, with its symbolic hopelessness. This symbolic portrayal of a shipwreck (of popular political aspirations) gives the painting the same drama that marked the works of Baroque Old Masters like Rubens and Velazquez. Gericault also adopted a Romantic approach to his famous portraits of asylum inmates.

Eugene Delacroix (1798-1863), who later became the leader of French Romanticism, followed in Gericault's footsteps after the latter's early demise, painting pictures whose vivid colours and impetuous brushwork were designed to stimulate the emotions and stir the soul. In doing this he deliberately rekindled the centuries-old argument about the primacy of drawing or colour composition. Delacroix countered what he considered to be 'Neoclasssical dullness' - exemplified, as far as he was concerned, by Jean Auguste Dominique Ingres (1780-1867) and the conservative French Academy - with dynamic motion, and a colour-based composition not unlike that of Titian or Rubens. His masterpiece in the Romantic style is الحرية تقود الشعب (1830, Louvre), painted on the occasion of the 1830 Revolution.

Delacroix was also an avid student of colour in painting, in particular the interaction of colour and light. He discovered that "flesh only has its true colour in the open air, and particularly in the sun. If a man holds his head to the window, it is quite different from within the room herein lies the stupidity of studio studies, which strive to reproduce the wrong colour". One important result of his studies was the discovery that nuances of colour can be produced by mixing complementary primary colours - a fact which was taken up with great interest by the Impressionists. As it was, Delacroix himself was heavily influenced by John Constable, the great English landscape artist, who also had a huge impact on the painters of the 'Barbizon school', near Fontainebleu, who devoted themselves to plein-air painting in the 1830s.

Other French artists who worked in the tradition of Romanticism include: Pierre-Paul Prud'hon (1758-1823), Anne-Louis Girodet-Trioson (1767-1824), Francois Gerard (1770-1837), George Michel (1763-1843), Antoine-Jean Gros (1771-1835) and Jean-Baptiste-Camille Corot (1796-1875). An unusual case is the classical history painter Paul Delaroche (1797-1856), who specialized in melodramatic historical scenes typically featuring English royalty, such as the Execution of Lady Jane Grey (1833, National Gallery, London). Immensely popular during his life, he made a fortune from selling engravings of his pictures.

In America, the Romantic history-painting tradition of Delacroix was maintained by the German-American artist Emanuel Gottlieb Leutze (1816-68) whose masterpiece is واشنطن عبور ديلاوير (1851, Metropolitan Museum of Art, New York).

Romanticism in England (c.1820-1850)

John Constable (1776-1837) belonged to an English tradition of Romanticism that rejected compositions marked by a heightened idealisation of nature, such as those of Caspar David Friedrich, in favour of the naturalism of 17th century Dutch Baroque art, and also that of Claude Lorrain (1604-82). This tradition sought a balance between (on the one hand) a deep sensitivity to nature and (on the other) advances in the science of painting and drawing. The latter were exemplified by the systematic sky and cloud studies of the 1820s which characterized the work of Constable. Precise observation of nature led him to disregard the conventional importance of line, and construct his works from free patches of colour.

This emancipation of colour is particularly characteristic of the painting of William Turner (1775-1851). For Turner, arguably the greatest of all English painters of Romanticism, observation of nature is merely one element in the realisation of his own pictorial ambitions. The mood of his paintings is created less by what he painted than by how he painted, especially how he employed colour and his paint-brush. Many of his canvases are painted with rapid slashes. Thick impasto alternates with delicate alla prima painting, tonal painting with strong contrasts of light and dark. It often takes a while for the depicted object to emerge from this whirling impression of colour and material. Thus for instance in his painting Snowstorm: Steam-Boat off a Harbour's Mouth (1842, Tate, London), Turner did not try to depict the driving snow and lashing wind, but rather translated them into the language of painting. In this, Turner is an important precursor of modern abstract painting. More immediately, his art had a huge impact on the Impressionists, who, unlike Romantic painters, were realists - they were not interested in visions of light that heightened expressiveness but in real light effects in nature. This movement towards realism appeared around 1850. At this point, a widening gulf opened up between emotion and reality. ال الرومانسيون, including groups like the Pre-Raphaelites, focused on emotion, fantasy and artistically created worlds - a style very much in tune with the era of Victorian art (1840-1900) - an excellent example being the highly popular sentimental portraits of dogs by Sir Edwin Landseer (1802-73). By comparison, the Realists adhered to a more naturalistic idiom, encompassing such diverse styles as French Realism (with socially-aware themes) and Impressionism.

Other English Romantic painters include William Blake (1757-1827) and John Martin (1789-1854).

Impact of Romanticism

The Romantic style of painting stimulated the emergence of numerous schools, such as: the Barbizon school of plein-air landscapes, the Norwich school of landscape painters the Nazarenes, a group of Catholic German and Austrian painters Symbolism (eg. Arnold Bocklin 1827-1901) and the Aestheticism movement.

The most influential exponents of English figurative romanticism during the Victorian Age were the members of the Pre-Raphaelite Brotherhood, co-founded by William Holman Hunt (1827-1910) and by Dante Gabriel Rossetti (1828-82), noted for البشارة وأعمال أخرى. Other artists associated with the movement included: John Everett Millais (1829-96) best-known for his romantic painting أوفيليا, Edward Burne-Jones (1833-1898) the eminent painter, stained glass and tapestry designer for William Morris & Co, and John William Waterhouse (1849-1917) who created the famous painting of The Lady of Shalott.

Another important group of Romantic painters was The Hudson River School of landscape painting , active during the period 1825-1875. Begun by Thomas Doughty whose peaceful compositions greatly influenced later artists of the school, other members included Thomas Cole (dramatic and vivid landscapes) Asher B Durand, Frederick Edwin Church, JF Kensett, SFB Morse, Henry Inman, and Jasper Cropsey. A sub-group of Hudson River artists introduced the style of Luminism, active 1850-75. Luminist landscapes - exemplified by those of Frederic E Church, Albert Bierstadt, and the Missouri frontier painter George Caleb Bingham (1811-79) - were characterized by intense, often dramatic light effects, a style visible also in the hauntingly beautiful works of Whistler, such as Crepuscule in Flesh Colour and Green, Valparaiso (1866) و Nocturne: Blue and Silver - Chelsea (1871).

Greatest Romantic Paintings

Works of Romanticism hang in many of the best art museums around the world. Here is a short selected list of works.

Karl Friedrich Schinkel (1781-1841)
Gothic Cathedral By the Water (1813) Staatliche Muzeen zu Berlin.
جون كونستابل (1776-1837)
هاي وين (1821) National Gallery, London.
JMW Turner (1775-1851)
The Fighting Temeraire (1838) National Gallery, London.
The Slave Ship (1840) Museum of Fine Arts, Boston.
Steam-Boat off a Harbour's Mouth (1842) Tate, London.
Rain, Steam, Speed - The Great Western Railway (1844) NG, London.
Caspar David Friedrich (1774-1840)
Winter Landscape (c.1811) National Gallery, London.
Man and Woman Contemplating the Moon (1824) Nationalgalerie, Berlin.
فرانسيسكو جويا (1746-1828)
The Third of May, 1808 (1814) Museo del Prado, Madrid.
Saturn Devouring One of His Children (1821) Prado, Madrid.
وليام بليك (1757-1827)
The Night of Enitharmon's Joy (1795) Tate Britain, London.
Satan Arousing the Rebellious Angels (1800) Victoria and Albert Museum.
Theodore Gericault (1791-1824)
The Raft of the Medusa (1819) Louvre, Paris.
Emanuel Gottlieb Leutze (1816-68)
Washington Crossing the Delaware River (1848) Metropolitan Museum, NY.
يوجين ديلاكروا (1798-63)
موت ساردانابالوس (1827) Musee du Louvre.
الحرية تقود الشعب (1830) Musee du Louvre.
John Martin (1789-1854)
The Great Day of his Wrath (1853) Tate, London.
Jean-Baptiste Corot (1796-1875)
Memory of Mortefontaine (1864) Louvre, Paris.
Ville d'Avray (1867) National Gallery of Art, Washington DC.
Arnold Bocklin (1827-1901)
Mary Magdalene Grieving over the Body of Christ (1867) Kunstmuseum, Basel.

In Paris during the early 1920s, a group of figurative painters appeared whose brooding paintings quickly became labelled Neo-Romantic. Among them were the Russian born trio of Eugene Berman and his brother Leonid، و Pavel Tchelitchew. However, in British fine art at least, the term Neo-Romantic denotes the imaginative quasi-abstract style of landscape created by Paul Nash (1889-1946) and Graham Sutherland (1903-80) and others during the late 1930s and 1940s. Inspired in part by the visionary landscapes of وليام بليك و Samuel Palmer, Neo-Romantic pictures often included figures, was typically sombre in mood, but sometimes displayed a striking intensity. Other important Neo-Romantics included Michael Ayrton, John Craxton, Ivon Hitchens, John Minton, John Piper, Keith Vaughan.

• For other art movements and periods, see: History of Art.
• For styles of painting and sculpture, see: Homepage.


Beethoven's marathon concert . recreated on Radio 3

Radio 3 senior producer David Gallagher introduces today's recreation of Beethoven's marathon 1808 concert, which featured the premieres of two symphonies, plus a piano concerto and a new choral work .

It’s never been easy being a composer, unless you have a private income. Plenty have died in near-poverty – including, reputedly, Mozart, in Vienna in 1791. A decade later Beethoven was scraping a living in the same city. He could make a bit of money selling his music to publishers, and fortunately he found some rich aristocratic patrons, but life was never comfortable. Being the ‘latest thing’ – as both composer and performer – he was much in demand at charity fundraising concerts. But he was expected to give his services free. What he really wanted was a charity fundraiser in aid of himself.

It took him literally years to get one fixed up. Eventually everything was to come to fruition in the local Theater an der Wien on 22 December 1808. Presumably fearing he might never get another chance, Beethoven decided to pack into a single evening the world premieres of his Fifth and Sixth Symphonies and a specially written Choral Fantasy… as well as his Fourth Piano Concerto… and a few other things besides.

I remembered that crazy concert when we decided to include all nine of Beethoven's Symphonies in Afternoon on 3's celebration of the Symphony. Afternoon on 3 is at the heart of Radio 3’s commitment to broadcast every note of every Symphony featured in the BBC4 television series presented by Simon Russell Beale the television programmes skated over a couple of Beethoven Symphonies, but we reckoned we really ought to broadcast them all. Do you think Beethoven was the greatest Symphony composer ever? أنا افعل. And every one of his Symphonies does something new.

If we were going to broadcast all of them, could we recreate that concert of 22 December 1808 as part of the series? Problem: it was a four-hour marathon. Afternoon on 3 only lasts two-and-a half-hours at most. But when I added up the actual music, it came to less than three hours. And there was rather a neat change of direction at the two-and-a-half hour mark, as – for the first time in the programme – Beethoven sat down at the piano and improvised a solo. Could we could make a virtue of that and hand over to In Tune for the final straight? And who better to impersonate the composer improvising on themes from the Fifth Symphony than the former Radio 3 New Generation Artist, jazz pianist Gwilym Simcock. Even if his hair is a lot neater than Beethoven’s .

The other essential feature of Afternoon on 3’s Symphony celebration is that almost every performance is by one of the BBC’s own orchestras – including several live concerts. Both the BBC National Orchestra of Wales and the BBC Philharmonic had told me they could, if we wanted, do live performances on Tuesday 15 November. That date just happened to fall roughly where the middle of our Beethoven cycle needed to be. Could they do one Symphony each, live? They could. The BBC Phil at MediaCity in Salford would kick off the afternoon at 2 o’clock with not the Fifth Symphony but the Sixth – because that’s how Beethoven began his concert. He saved the Fifth Symphony for after his interval – so the BBC NOW in Hoddinott Hall, Cardiff would play the Fifth at, well, sometime after half past three, depending on when we get there. Fortunately, on the radio we don’t have to wait through Beethoven’s interminable platform rearrangements: for the pieces with solo pianist, solo singers and chorus we’ll be playing recordings the BBC NOW made earlier.

In fact, we hope the whole thing might go a bit more smoothly than it did for poor old Beethoven back in December 1808. The audience crammed into the theatre complained they were freezing cold – four hours is a long time to sit in an unheated theatre, even if you can afford a fur coat. The solo soprano was shivering too – though in her case it might have been nerves: she was an inexperienced late replacement. The theatre orchestra were no happier: Beethoven had had a row with them at their previous charity gig, and they almost refused to play for him at all. Perhaps it would have been better if they had: one newspaper reported that their ‘execution… could be considered lacking in all respects.’ Ouch.

In the circumstances it’s no surprise that nobody much appreciated the actual compositions – even Beethoven’s supporters, like the composer and critic Johann Friedrich Reichardt, reckoned it just ‘proved how easy it is to have too much of a good thing’. So: can it ever work to hear so much music by one composer end to end? Beethoven must have thought so. There’s only way to find out for sure. Tune in to Afternoon on 3 and In Tune.

There was one happy ending, though – and a very important one. Reichardt tells us the concert gave Beethoven ‘his first and only cash profit of the entire year.’ Without it, who knows whether we’d ever have had the last three Symphonies at all.


This symphony is Beethoven’s shortest. It is often referred to as “The Little Symphony in F Major.” Its duration is roughly 26 minutes. Amongst a sea of exuberant symphonies, Beethoven’s Symphony No. 8 is often overlooked. Beethoven composed this symphony in 1812 at the age of 42. It premiered two years later on February 27, alongside Symphony No. 7.

Beethoven’s last symphony, No. 9, marks a triumphant and glorious end. Beethoven’s Symphony No. 9 was completed in 1824, when Beethoven was completely deaf and was premiered on Friday, May 7, 1824, in the Kärntnertortheater in Vienna. Beethoven was the first composer to include the human voice at the same level as the instruments. Its text, “An Die Freude” was written by Schiller. When the piece ended, Beethoven, being deaf, was still conducting. The soprano soloist turned him around to accept his applause.


شاهد الفيديو: مدينه فيينا - بلدية فيينا النمسا #ليالي الانس